照相机可以代替画画艺术吗？单反相机拍摄图画在保证画面不变形的情况下，光圈焦距快门的数值是多少

本文目录

• 照相机可以代替画画艺术吗
• 单反相机拍摄图画在保证画面不变形的情况下，光圈焦距快门的数值是多少
• 照相机对绘画的影响
• 有了照相机,绘画还有什么意义
• 有了照相机后，绘画没有古代那么重要了吗
• 轻颜相机的ai绘画在哪里
• 照相机出现的时候，画家们心里怎么想的对他们或者绘画行业有什么影响
• 有人说相机永远代替不了绘画，为什么

照相机可以代替画画艺术吗

绘画是对生活的一种加工，融入了画家个人对世界的见解，以及个人积累，艺术修养的体现，而摄影只是记录生活，就好像人像摄影一样。最多只是把人拍的无比的精细。但是，画家对人物的表现可以使透过表面直接表现人物内心的世界！我想，这便是绘画的魅力罢！

单反相机拍摄图画在保证画面不变形的情况下，光圈焦距快门的数值是多少

　　首先指出，画面变形和光圈快门组合无关，只与焦距有关。镜头分为广角镜头，标准镜头，长焦镜头。
　　传统35mm胶片相机中，由于35mm胶卷的广泛使用，让36×24mm成为一种规格。在这个规格之下，35mm就成为了我们判定镜头视角的一个标准。不过到了数码时代，数码单反相机上采用的感光器目前更多的是采用非36×24mm尺寸，于是就有了倍率问题。APS-C尺寸，倍率1.5（佳能为1.6）；4/3系统，倍率2；适马X3系统，倍率1.7；佳能APS-H尺寸；倍率1.3等。以佳能EOS 400D（APS-C画幅）及一支18-55mm镜头为例，乘以1.6倍率后，相机上镜头等效焦距将会变为28.8-88mm，但如果是全画幅单反搭配18-55mm镜头，其焦距将保持不变。
　　现在我们回到问题，以传统35mm胶片相机为例，镜头上标有50mm的，就是标准镜头，简称标头；数值小于 50mm的，是广角镜头；大于50mm的，是长焦镜头；这三种镜头有什么特点呢？各自用于什么情况的拍摄呢？简单说，从标准镜头中看到的景物，和你肉眼看到的是一样大的；从广角镜头中看到的，比肉眼看到的小，所以能在相机里容纳范围更广的景物；从长焦镜头中看到的，比肉眼看到的大，所以在相机里成像的范围窄；最常用的焦段在24-135mm这个范围内，也就是说，如果你的镜头含盖了这个范围，就可以应付大部分拍摄情况了。
　　用广角镜拍摄，镜头畸变比较严重，最严重的如鱼眼镜头。35或40mm可称为小广角，只有轻微变形，最适合街头人文（非特写）；28mm算是比较普通的广角了，变形程度不太大，很适合风景和街头人文；24mm以下的焦段会让画面产生严重变形，所以只能用于风景。如果你仅仅为了保证镜头不变形，只需考虑焦距，而快门和光圈组合数值是体现在景深、运动物体效果、曝光等方面，与镜头畸变无关。
　　关于曝光心得，我谈点体会，仅供参考：
　　1、阳光16法则。即在拍摄处于明媚均匀的阳光下的主体时，快门定为感光度倒数，光圈为F16为宜。以此为基准，可以估算出，在海滩用F22光圈，有云的晴天用F11等。
　　2、月光11，8，和5.6法则。摄影月亮的曝光组合有多种。但最为人乐于使用的是11、8和5.6组合。当快门速度为感光度倒数时，满月用F11光圈，半月和3／4月分别用F8和F5.6.
　　3、相机抖动法则。安全的快门速度是焦距的倒数。如使用50毫米的镜头时，如果手持拍摄，速度至少要在1／60以上为宜（当然，防抖头不算）。如果低于此速度，请使用闪光灯，脚架，或为相机找其他支持物。
　　4、18％灰测光。用18％中灰板测光会带来最好的效果。如果没有灰板，可以将手掌摊开面向阳光，对手掌测光读数，然后加一档曝光拍摄。（不同的肤色对结果的差别几乎连一档都达不到。）
　　5、景深法则。对焦点取在整个景深的前三分之一位置可以得到最大的景深。因为焦点后的景深是焦点前的二倍。
　　6、数码冲印尺寸法则。数码照片最佳的扩印尺寸应该不超过长与宽的像素数之和除以200。如果需要影展素质的照片，请除以250。
　　7、曝光法则。经典的建议是：保证高光区曝光准确，低光区随他去。这一建议适用于反转和数码相机。而对负片，特别是彩色负片，最好增曝一档。
　　8、快速闪光输出法则。在使用没有自动输出控制的闪光灯时，将闪光灯的感光度设为胶卷的二倍，对主体测光，机身选光圈整档，闪光灯设同样光圈。这种设置下，照片的阴影区会比主体的亮度低一档。
　　9、闪光距离法则。距离乘2，感光度乘4。比如，你的闪光灯在感光度100时的有效距离为20英尺。如果你需要闪光距离达到40英尺，则需要使用感光度400的胶卷。
　　10、像素翻番法则。要使数码相机分辨率增倍，像素数要翻两番。
　　11、动态捕捉法则：这是一个角度与速度的经验公式。如果物体沿镜头的轴线运动你能够用(1/125)的快门捕抓下来，那么它垂直于镜头轴线的运动（从取景框的一边到另外一边的运动）能用比(1/125)高2档的快门(1/500)捕抓下来，如果物体沿镜头轴线成45度运动的话，只需要提高一档快门(1/250)就能捕抓下来。（此条为翻译过， 鸣谢。）
　　12、日落测光法则。拍摄落日时，要对落日上部测光，但取景器中不要取到太阳。如果想让照片上的日落看上去比实际晚一小时，可在曝光补偿中减1。
　　但有点说明，所谓的法则也只是一种对摄影基础理论的概括，摄影的乐趣在于超越法则，用光影表达自我。
　　摄影为的是快乐，而快乐，其实很简单！祝你摄影快乐！

照相机对绘画的影响

严格来说，使用照相机拍照是摄影艺术。摄影术在西方诞生后，在早期模仿绘画的襁褓时期，摄影人拍照风景和画家的观看是一样的。因为冗繁的操作程序和绘画差不了多少。摄影者会像任何一个传统形象艺术家一样，精心地准备创作的实质性开始，他们要在临时搭建的暗室（帐篷）内自己亲自制作用于曝光的湿法感光片，等待和寻找最适宜拍摄的光线（那时人造光源还未诞生）。在这个漫长的准备过程中，各种历史的、艺术的视觉经验都会不期地干扰和影响摄影者的观看准备。
所以，早期的摄影绘画性倾向，不但是因摄影家在美学意识上对绘画的主动靠拢，而且创作的方式过程也从另一方面保证和**他们的创作与绘画保持渊源上的关系。
随着拍摄条件的逐步改善，摄影观念也在跟着急速的变化。
摄影家已不必像早期为每一次的创作做漫长而繁杂的劳动准备，高速度的感光胶卷和轻巧便捷的照相机，可以让流动的自然时光和变幻即逝的社会生活，在快门开启的瞬间曝光中凝固。
而如何能在变化中把握住最能符合自己意愿的瞬间，和让这个瞬间具有自己认定的"美学意义"则成了摄影家自我挑战的最大目的。
人类通过物理光学和化学的手段，终于将转瞬即逝的时光固定并留了下来，从而告别了人类以手工方式描绘自然的时代，开始了人类通过机械和药物快速将自然转化影像的新历史。对此，Paul Delaroche在达盖尔摄影术出现的1839年做出评价: "From today, painting is dead"。
现在看来，其实只是古典绘画死亡了，或者，可以说绘画真正诞生了。
画家不必再承担着以模仿和描绘客观对象为主的职责，不需要重视比例透视、解剖结构，无需考虑形体、空间和质感的逼真模仿，它甚至可以脱离"再现艺术"这一桎梏，任由画家描绘主观意愿。然后，印象派、后印象、野兽派、立体主义、超现实主义、未来主义、达达主义、表现主义、抽象派、行动绘画、波普、照相写实、光效应艺术一一应运而生。
让记录现实这一任务交给摄影就好了。
现今，绘画与摄影的关系一方面更近，一方面也各自走得更远。个人认为摄影术与绘画之间的关系就类似于机器与手工的关系、物质与精神的关系、面包与爱情的关系，互为基础、互相滋润、互助成长。

有了照相机,绘画还有什么意义

这个问题在一百多年前确实引发了不少激烈的讨论。我不是画家,也不是摄影师,就从一个外行人的角度说说我的理解吧,有不对的地方欢迎指出。尽管现在有的摄影已经通过后期技术变得越来越不写实,有的绘画则变得非常写实(超写实主义),但二者的本质大体上还是没有变化的,即摄影是对真实场景的记录,而绘画更多是表达艺术家想象(理解)中的画面。举个不恰当的例子,如果绘画是小说的话,那么摄影就像新闻报道。小说可以借鉴真实事件,新闻也可以写的具有艺术性,但这两者依旧是不可互相替代的两样不同的东西。达盖尔发明摄影术之后,很多人认为绘画已死,甚至要求政府禁止摄影术。但正是因为摄影术的刺激,也让艺术家们开始探索更多地艺术表现形式。比如莫奈开创的印象派对光的探索,梵高画中粗砺的笔触,毕加索立体主义的多角度透视,这些都是摄影无法表现的东西。而在中国,“形似”从明代开始便不再成为画家们所追求的东西(这里有质疑。我的理解是,虽然写意画在唐朝就有出现,宋代梁楷发扬光大,但大写意成为主流的美学主张并代有传人应该是在明以后。)画家们单用五种墨色表现缤纷世界,用留白表现云山雾海。写意画中的东西与真实事物的形态相去甚远,但这并不影响画家的艺术表达。就像现在电影通过特效技术描绘出宏大的场面,而京剧的竹马木凳也能表达千军万马。这两者并没有孰优孰劣之分,后者不能代替前者,前者也不能取代后者。现代艺术更偏重于个人情感的抒发,对于这种个性化的表达而言,“不像”比“像”更具有优势。比如《格尔尼卡》中没有一件事物是真实物体的形状与颜色,但我们仍然能够清楚的感受到战争的惨烈和作者对战争的控诉。就应用性而言,尽管大多数情况下摄影比绘画更加快速便捷,但是也有摄影无法胜任的地方。比如漫画,电影与游戏的原画设定,概念图等,在这些领域,绘画依旧比摄影简单方便的多。摄影和绘画谁也无法取代谁,相互结合才能发挥更好的效果。绘画时可以参考实景摄影做出如新海诚电影般精致的效果,摄影时也可以借鉴绘画的构图与色彩搭配。但要注意的是,绘画不能复制照片,沦为一件匠气的作品,摄影也不应任意涂改,失去记录真实的力量。摄影是时间的艺术,绘画是空间的艺术,这大概是它们各自的意义所在。
希望采纳

有了照相机后，绘画没有古代那么重要了吗

一些个人见解：
1.在记录功能方面，的确是照相机逐渐取代绘画，在没有照相机时代，绘画承担着记录的职责，如人像描绘，风景描绘，天文记录等等，汉元帝当时就是凭借人像绘图判断女性相貌的，以致昭君得罪画师而被丑化，做研究的也会把新发现用绘画记录下来，游记/医术草药/天文图等，随着照相机的发明，现在这些很多都直接用相机记录下来了。
2.在艺术品鉴方面，绘画作为一种特殊技艺及表现形式，在收藏及评鉴方面的作用越来越明显，能够画好画的艺术家越来越少，所以一幅好作品能值很高价值，当然照相机也有艺术品承载功能，也是有艺术价值的。

轻颜相机的ai绘画在哪里

先下载轻颜相机app。
轻颜相机的ai绘画在：1.打开轻颜相机进入主页，点击左下角的ai绘画选项。
2.进入新页面后，点击导入图片按钮。
3.导入照片之后，就会生成许多种不同类型的ai绘画。

照相机出现的时候，画家们心里怎么想的对他们或者绘画行业有什么影响

十九世纪三十年代，受写实油画影响，西方工业技术革命大潮催生了照相技术，照相机产生了。

照相机的出现，给数百年来一直以写实油画为主流的西方绘画带来直接巨大的冲击。原本需要很长时间才能绘就的一幅还原客观物象本真面貌的写实油画，用照相机拍出图片只是分分钟钟的事情；原来许多以靠给人用油画画像扬名立万和维持生活的画家这时感到就像是自己的手工作坊旁边一下子新开了许多机器作坊，产生极大的危机感。画家们有的，“弃画从影”，丢掉画笔，搞起了摄影。有的，改弦更张，另起炉灶，做起了别的营生。有的，矢志不渝，执着坚守着写实绘画的阵地。

更有的，变革创新，化危为机，积极探索绘画艺术的新形式。照相机的出现，在给传统写实油画带来冲击的同时，也给油画艺术形式的拓展改革带来新的契机。

十九世纪六七十年代，以莫奈马奈为代表的印象主义画派产生，很快以注重表达画家主观感受和情绪更注重光影色彩表现而不刻意追求客观写实的印象主义油画在西方画坛大行其道，受到广泛欢迎。一方面，写实油画长期“一统天下独领风骚”的局面被打破，一方面，油画艺术发展又迎来了新的春天。

到了二十世纪初，以毕加索为代表的立体抽象主义油画的创立，标志着西方绘画进入现代绘画时代。而二十世纪六七十年代借鉴照相技术蓬勃兴起的超写实主义油画，又是传统写实油画的回归、发展和继续。

应该说，照相机的出现，既对绘画艺术绘画行业造成了很大的冲击和影响，又大大促进了绘画艺术和绘画行业的发展，绘画艺术形式和种类呈现出多样化繁荣发展的新局面。

有人说相机永远代替不了绘画，为什么

因为相机只能复刻一种事物，并不能想象。而绘画则是可以通过联想，甚至是自己的思想的改变来创作出全新的作品，这是相机无法做到的。相机只能在原有的基础上进行复刻，却不能通过联想来创造出一种事物。所以说，绘画是相机无法替代的。而且，绘画还可以通过想象，创作出现实中没有的东西，而相机却不能。

相机是通过原有的事物，或者是现实中的事物来进行复刻或者是改变。不能通过凭空的想象力来改变某个事物。而且相机是无法创造出事物的，但是绘画却可以。比如一些在现实中无法存在的一些事物，绘画都可以表达出来，但是相机却无法做到。相机只能通过绘画之后，将这种事物再进行表达出来，因此画面永远都是静止的，但是绘画却永远都没有办法捕捉。

很多的艺术家们可以通过绘画表达出自己的情感，虽说相机可以复刻事物，但是却无法表达出人类自身情感，只能通过固定的事物，将绘画原本的情感表达出来，所以相机对绘画来说，只不过是个附属品。相机是依附于绘画的，没有绘画的话，相机是无法复刻出来的。

不同的人掌握不同的绘画方法的话，那么表达出来的情感也会是不一样的，并且绘画有多种多样的表达方式。但是相机却是死物，相机只会复刻出现实中的场景，无法创作出新的东西或者是事物。

而且，在解读一些绘画艺术作品的时候，其实可以从多个角度来解读，并且每个人的表达方式都会不一样。而相机只会将原本有的东西复刻出来，虽说绘画一模一样，但是相机永远只能存在于现实之中，而绘画却是可以想象的。